不难想象，原声音乐和电子音乐占据着不同的领域，有着不同的规则和美学准则。但实际上，这两者之间的联系并不紧密，作曲家可以像画家在调色板上随意调色一样，随意地组合这两种创作资源。

塞缪尔·亚当斯(Samuel Adams)引人入胜的《第二弦乐四重奏》(String Quartet No. 2月13日，星期日)在伯克利的赫兹厅(Hertz Hall)举行了全球首演，期间还举行了Spektral Quartet的独奏会。除了四种传统的弦乐器外，亚当斯还设计了四个小军鼓，它们直接放在舞台上，鼓上有小喇叭，可以由表演者之一激活。当这种情况发生时，鼓面发出一种微妙的幽灵般的呼啸声，就像风吹过水面。这是一种半熟悉的声音——你以前听过小军鼓，但从来没有过没有鼓槌敲击的声音——它创造了一种同时陌生和舒适的感觉。

然而，在周日的独奏会上，更引人注目的是，亚当斯将这种效果轻松地交织在音乐织锦中。这是一种颜色，一种鲜艳的颜色;它不是一个结构元素。

在大部分时间里，亚当斯的这篇不到半个小时的作品，是对我们老朋友的和声、节奏和修辞的一种极具吸引力的沉思。对于湾区的观众来说，亚当斯越来越熟悉——他是伯克利人，作曲家约翰·亚当斯的儿子——而这四重奏似乎代表了一种强大而精确的雄心和手段的融合。

它的五个动作中有两个(第一个和第四个)简洁而专一，就像餐前和餐间的清口。它们由尖锐的弦线组成，一遍又一遍地重复，而小军鼓则营造出一种嘈杂的气氛。

每一种都可以作为一个更广阔的写作延伸的序幕。在第二乐章中，亚当斯创造了一个由多个小重复组成的闪烁、移动的和弦场。出现的纹理是静态的，同时又是不断运动的，就像气体中的原子一样(这里亚当斯借鉴了与现代主义作曲家György Ligeti有关的“微多音”技术)。终曲使用有节奏的重复，从不同的方向接近相似的材料。

然而，四重奏最直接表达的部分 - 其人类的本质，也许 - 是在安静的中央运动中。该运动围绕着一种尖锐而美丽的旋律手势建造，一种温柔的关注，在整个运动中的关键时刻回归。“听到这一点，”在继续追求音乐话语之前，它以一种同时强制和爱的方式说。在一个引人注目的创造中，这是一个深深的触摸通道。

由小提琴家克拉拉·里昂和梅芙·范伯格、中提琴家道尔·阿姆布鲁斯特和大提琴家拉塞尔·罗伦组成的光谱四重奏乐团从《爱乐之城》创作之初就参与了创作(原定于2020年首演，但新冠肺炎疫情介入)。整体设计给了它一种专注和清晰的阅读感，在精美的比例中平衡了精致和热情。

在演奏会的前半部分，格拉斯(第二弦乐四重奏“Company”)和舒伯特(A小调第13弦乐四重奏“Rosamunde”)的音乐平淡无奇，缺乏说服力。

没关系——亚当斯的四重唱是这次活动的重点，在这里，这群人奋起反抗。